Thời trang và nghệ thuật là hai lĩnh vực xoay quanh cùng một lĩnh vực, đó là sáng tạo. Hai thế giới này chia sẻ một cây cầu kết nối chúng lại với nhau. Nghệ thuật trong khía cạnh riêng của nó đã theo sau con người qua thời gian và thế giới thời trang cũng đồng nghĩa với nó. Hai phương tiện này có mối quan hệ mật thiết.
Thời trang có gốc rễ sâu đặt trong việc tự diễn đạt, một phương tiện để cho thế giới biết về cá nhân chúng ta thông qua trang sức và quần áo. Nghệ thuật cũng thể hiện suy nghĩ của họ cho khán giả thông qua màu sắc và tâm trạng mà tác phẩm mang lại. Các yếu tố này có thể nói rất nhiều về nghệ sĩ và cá nhân của anh ta, cũng như trang điểm tối màu và quần jeans rách có thể nói trong bối cảnh tự diễn đạt bản thân trong thời trang.
Luận văn này là một nghiên cứu về tác động của nghệ thuật đối với thời trang và cách thời trang tác động lên nghệ thuật. Nó bắt đầu từ thời kỳ Rococo, từ thế kỷ 18 cho đến thế giới hiện đại, và cho thấy tầm quan trọng của nghệ thuật và thời trang trong sự phát triển và tồn tại hài hòa của hai môn học này.
Phương pháp nghiên cứu
Để đối phó với mục tiêu của mình về cách nghệ thuật ảnh hưởng đến thời trang, tôi sẽ sử dụng cả dữ liệu chính và dữ liệu phụ.
Dữ liệu chính – Là dữ liệu được thu thập bởi chính nhà nghiên cứu, thông qua quan sát, phỏng vấn và khảo sát. Đây là dữ liệu chưa được công bố.
Tôi sẽ thu thập dữ liệu chính thông qua phỏng vấn với các nghệ sĩ và nhà thiết kế thời trang cũng như sinh viên thiết kế thời trang hiện tại.
Dữ liệu phụ – Là dữ liệu đã được công bố và tồn tại trong các nguồn văn học. Có thể là sách, tạp chí, tư liệu công cộng, phim tài liệu, v.v.
Tôi sẽ thu thập dữ liệu phụ thông qua sách viết về thời trang và nghệ thuật và thiết kế. Tôi cũng sẽ tìm nguồn từ báo chí, tạp chí chuyên nghiệp và trên mạng.
Đánh giá văn học
Nghệ thuật và tác động của nó lên thời trang có một phạm vi rất rộng. Nghệ thuật trong khía cạnh riêng của nó có thể khác biệt từ nghệ thuật tinh tế đến nghệ thuật biểu diễn, từ tranh và điêu khắc đến nhạc kịch Broadway. Khi bạn xem xét thời trang, nó có thể liên quan đến vô số thứ, từ quần áo đến giày dép và trang sức đến làm đẹp, hình tóc và trang điểm. Để làm cho nghiên cứu này khả thi hơn, tôi giới hạn phạm vi của mình chỉ cho tranh và quần áo phụ nữ. Tôi sẽ tìm hiểu về văn học liên quan đến cơ bản của nghệ thuật và thời trang. Tôi đã tìm hiểu lịch sử của hai môn học này thông qua sách xuất bản và việc khám phá các bảo tàng. Tôi cũng xem qua sách được xuất bản về cách nghệ thuật ảnh hưởng đến thời trang và tác động của thời trang lên nghệ thuật. Sự điều tra văn học của tôi cũng khám phá thế giới trực tuyến. Tôi sử dụng các công cụ tìm kiếm với các thuật ngữ như “Nghệ thuật và thời trang” và các chuyển động nghệ thuật chẳng hạn như “Op-Art” và “Art deco” để tạo ra các bài viết viết về các chủ đề này. Tôi xem qua lưu trữ trực tuyến của báo chí và tạp chí để tìm bài viết nào viết về thời trang hoặc nghệ thuật.
Thời trang được miêu tả trong tranh
Mối liên kết giữa nghệ thuật và thời trang có thể được truy ngược ít nhất đến thời kỳ Phục hưng (Boucher, 1988, tr. 191). Những họa sĩ Italy trong thời kỳ Phục hưng đã bị ảnh hưởng rất mạnh bởi thời trang. (Mackrell, Art and Fashion, 2005, tr. 5)
Thế kỷ 16 mang đến một thời kỳ mới trong thế giới thời trang và nghệ thuật, Alice Macrell nói trong cuốn sách của mình rằng:
“Thế kỷ 16 là thời kỳ vĩ đại của du lịch và khám phá, với một cuộc tìm kiếm tri thức bao gồm trang phục và tập tục của các dân tộc khác. Điều này đã tạo ra kết quả to lớn cho thời trang, khi cuốn sách trang phục in ấn đầu tiên xuất hiện trong nửa sau thế kỷ, đánh dấu một nguồn cung cấp thông tin hình ảnh mới “(Mackrell, 1997, tr. 14-17)
Thời trang và nghệ thuật tiếp tục hòa thuận từ thế kỷ 16 đến thế kỷ 17.
Tương tác giữa nghệ thuật và thời trang tiếp tục phát triển trong thế kỷ 17. Ở Pháp, những nghệ sĩ liên quan mật thiết hơn đến việc khắc hình và thời trang trong thời kỳ vua Louis XIII (1610-43) là Jacques Callot, Jean de Saint-Igny và Abraham Bosse. (Gaudriault, 1988, tr. 8 và 29)
Nghệ sĩ ở châu Âu trong thế kỷ 17 đã tìm được cảm hứng từ trang phục. Họ vẽ Bài trí nghệ thuật Bắc Âu nổi tiếng được biết đến như Ruben để tạo hình cho các bức tranh và chân dung của mình. Sau đó, ông đã biên soạn một sự tập hợp rộng lớn bức vẽ được biết đến như cuốn sách trang phục.
Anthony van Dyke là trợ lý của Ruben. Ông là con trai của một thương nhân điện và chỉ bán thảo tác phẩm. Van Dyke rất nhạy cảm với quyền lực của trang phục. (Gordenker, 2001, tr. 3)
Họa sĩ bohemia Wenceslaus Hollar làm việc tại Anh và là một người khắc, họa sĩ và minh họa. Ông tham gia vào nghiên cứu trang phục chuyên về thời trang của phụ nữ. Loạt bức vẽ trang phục phụ nữ nổi tiếng nhất của ông là bốn mùa. Viện bảo tàng Anh, nơi chứa một trong bốn bức etsay về Mùa, nói; Sự thông thái của Hollar như một họa sĩ khắc được thể hiện qua sự đa dạng về vải và lông thú, ông ghi lại trong trang phục của phụ nữ “(Mùa đông một nét bút sắc nét. Www.britishmuseum.org). Hình 1 & 2 dưới đây cho thấy bức vẽ chiều dài đầy đủ của mùa hè và mùa đông được vẽ bởi Wenceslaus Hollar.
Alice Mackrell trong cuốn sách Nghệ thuật và thời trang (2005) đưa ra quan điểm của mình về các bức tranh được giữ tại các bảo tàng. Hình 3 dưới đây cho thấy bức tranh của Madame de Pompadour của Françoise-Hubert Drouais.
“Hạ cầu dài trong cánh Sainsbury giai đoạn của National Gallery, London, vào bộ sưu tập Madame de Pompadour: Images của một Mistress, sự chú ý của ai đó hiện hướng thẳng đứng xuống bức tranh tuyệt đẹp của cô được vẽ bởi Françoise-Hubert Drouais [Xem Hình 3 cho hình vẽ]
Madame de Pompadour ngồi trong phòng nghỉ của mình ở khung công việc thêu của cô, tham gia vào công việc thêu xung quanh và một tập hồ sơ về các bản ảnh khắc nhắc nhở khán giả về thành tựu trí thức và nghệ thuật của cô, mặc chiếc váy được làm từ lá xanh nhạt mô phỏng và hoa màu hồng salmon, được trang trí ở khuỷu tay bằng ba hàng bằng chất liệu lụa rayon sọc lớn đẹp với ba hàng đồng phục lớn tương ứng với hai hoặc ba hàng ruy băng được làm từ ren kim thượng hạng.Phần quần áo này tóm tắt cái hứa hẹn về hương vị Rococo – đường cong uốn lượn, trang trí ba chiều và màu sắc rõ ràng, tinh tế.
(Mackrell, Nghệ thuật và thời trang, 2005)
Françoise-Hubert Drouais, Madame de Pompadour Ở Khung Công Việc của Cô
Các màu trên chiếc váy của cô đặc trưng cho hương vị Rococo
Thomas Gainsborough là một trong những họa sĩ vĩ đại được đại diện cho mốt phụ nữ trong các bức tranh của ông, Mackrell lại nói:
Người nghệ sĩ người Anh mô phỏng như những người phụ nữ thời thượng trong những tà lụa và vải gân của họ – thậm chí những bức tranh của ông không chỉ chụp lại một hình ảnh sống, mà còn tóm gọn sự thanh lịch của Anh quốc từ thời trang xu hướng Rococo. (ibid., tr. 8)
Phong trào Rococo được theo sau bởi phong trào Neo-Clasical. Neo-Clasical là những gì thời kỳ Rococo không phải. Nghệ sĩ Joseph Marie Vien thuộc thời kỳ này.
Người người đồng lúc nhìn Vien để truyền cảm hứng cho phụ nữ từ bỏ sự kỳ quặc Rococo để có sự đơn giản cổ điển. Neo-classical trở thành phong trào chủ đạo trong nghệ thuật tinh tế và trang trí, kiến trúc và thời trang ở châu Âu từ cuối thế kỷ 18, khi kiến thức chưa bao giờ lan tỏa rộng rãi về những khám phá khảo cổ từ miền nam Ý đến Ai Cập và Trung Đông. (ibid., Tr. 33 và 35)
Phong trào văn học Lãng mạn theo sau Neo-Clasical.
Lãng mạn là tôn giáo của cá nhân. Sự tôn vinh cá nhân và trạng thái xã hội đã có ảnh hưởng mạnh mẽ đến các nghệ sĩ trong việc khám phá bản thân. (Mackrell, Art and Fashion, 2005, tr. 46)
Lãng mạn là một phong trào mới, nhưng nó không hoàn toàn thoát khỏi xu hướng mà đã rõ ràng trong thời kỳ Neo-Classical.
Lãng mạn thường tìm cách biến cảnh sống cổ điển trở thành một trải nghiệm sống chứ không chỉ là một lý tưởng đã chết, và một số yếu tố của Neo-Clasical đã được xem như một phiên bản lai của cổ điển Lãng mạn. (Baudelaire, 1992, tr. 53)
Sau đó, Đẹp hơn thời kỳ Aestheticism. Một nghệ sĩ trong thời kỳ này tích hợp thời trang vào nghệ thuật của mình là một họa sĩ Mỹ tên là James Abbott McNeill Whistler. Cuốn sách Nghệ thuật và thời trang (2005) khẳng định:
“Whistler là người đã hòa nhập các xu hướng thời đại của mình vào nghệ thuật của mình, như là trào lưu mê nghiệp về mọi thứ Nhật Bản đang làm mưa làm gió ở Paris và Luân Đôn’… ‘Ông đánh giá cao vẻ đẹp và phối trang phục của phụ nữ, và tập trung vào đó trong các bức họa chân dung, vẽ các hình ảnh về vẻ đẹp mà có thể được đánh giá về giá trị thẩm mỹ của riêng chúng. (Mackrell, 2005, tr. 84 và 85)
Vẻ đẹp của Duy Tân đặt sau Khiếm thực. Nghệ sĩ cố gắng mô tả một cảm giác thực tế thông qua các bức tranh của họ. Charles Pierre Baudelaire là một nhà phê bình nghệ thuật Pháp trong thời kỳ này. Ông xác định ý tưởng của hiện thực như:
‘Lãng mạn cá nhân, với một nghệ thuật phản ánh thời đại của riêng nó’ và, ‘trong yêu cầu của nó cho một kiểu hiện đại, Hiện thực tiếp tục mục tiêu của người Lãng mạn’ (Rubin, 1980, tr. 49)
Édouard Manet, người bạn của Baudelaire và là một họa sĩ. Đối với Manet, ‘trang phục đại diện cho khía cạnh bề ngoài của cuộc sống hiện đại, cái vỏ ngắn hạn mà đồng thời che và tiết lộ bản chất không thay đổi của nó’. (Mauner, 2000). Theo sở thích nghệ thuật của người Pháp về hội họa Tây Ban Nha: ‘Manet ngưỡng mộ và nỗ lực nhằm bắt chước, để minh họa tốt hơn các hiện thực của cuộc sống, bao gồm thời trang. (Tinterow & Lacambre, 2003, tr. 51)
Impressionism được theo sau sau Hiện thực, ‘Theo sự dẫn dắt của Manet, họ chia sẻ sự cam kết về tầm nhìn, trong đó sự mô phỏng về trang phục là dấu hiệu quan trọng của sự quyết tâm của họ để trở nên hiện đại’. (Mackrell, Art and Fashion, 2005) Các họa sĩ ấn tượng liên kết cuộc sống đương đại với thời trang trong các tác phẩm nghệ thuật của họ. Theo R L Herbert: ‘Thời trang và nghệ thuật có những nét tương đồng nhất định … và đối với các họa sĩ ấn tượng, có sự tương ứng lõi dưới dạng cuộc sống đương đại với thời trang’. (Herbert, 1988, tr. 198)
Vào cuối thế kỷ 19, ‘mới’ trở thành một từ kích thích cao cấp.
Các bài báo trên báo chí và tạp chí đề cập đến ‘người phụ nữ mới’, ‘tiểu thuyết mới’, ‘báo chí mới’ và ‘nghệ thuật mới’, ngày quan trọng nhất cho ‘nghệ thuật mới’ là năm 1884, thành lập tại Bỉ và thuật ngữ’ Mới nghệ thuật ‘được sáng ra bởi các nhà ủng hộ của nhóm tiên phong này. (Mackrell, Art and Fashion, 2005)
Theo Viện Bảo tàng Victoria và Albert: ‘Mới nghệ thuật là sự cố gắng tổng hợp đầu tiên để tạo ra một phong cách quốc tế hiện đại dựa trên trang trí.’ (Greenhalg, 2000)
Về chương về Nghệ thuật Nouveau và Art Deco, Mackrell khẳng định ý nghĩa của Nghệ thuật Nouveau:
Nghệ thuật Nouveau hoàn toàn là một sáng tạo đô thị của những họa sĩ và nhà thiết kế tinh vi, và phản ánh những xu hướng đa dạng. Thế giới tự nhiên đã được sử dụng rộng rãi để đạt được cái nhìn hiện đại, đến nỗi trong các nhóm nghệ thuật Nouveau, thiên nhiên và hiện đại ý nghĩa hầu như có nghĩa là như nhau. (Mackrell, Art and Fashion, 2005, tr. 112)
Paul Poiret là một nhà thiết kế thời trang nổi lên vào những năm đầu thế kỷ 20, Poiret ‘đánh dấu sự bắt đầu của một thời đại mới, không chỉ trong thời trang mà trong thiết kế nghệ thuật nữa’. (Robinson, 1976, tr. 38) Poiret cũng được biết đến về khả năng kết nối thế giới thời trang với nghệ thuật. ‘Với tình yêu với họa sĩ, [Poiret] là nhà thiết kế đầu tiên kết nối thời trang thành công với nghệ thuật’. (ibid. tr. 116)
Sonia Delaunay là một nghệ sĩ thiết kế và in ấn trong những năm 1920. Bà là người ủng hộ của Orphism. ‘Sonia Delaunay đã có một ảnh hưởng đáng kể về cách nghệ thuật và thời trang có thể chồng lấn và ảnh hưởng lẫn nhau’. (ibid. p. 130)
Những năm đầu thế kỷ 1920 đánh dấu sự phát triển của phong trào Surrealist. ‘Thuật ngữ surrealism được đặt từ năm 1917 bởi nhà văn viết tiểu luận, nhà thơ và nhà phê bình nghệ thuật Pháp Guillaume Apollinaire. Surrealist đã đưa lên ý kiến tích cực của họ. Họ phản ứng bằng việc xem xét lại giá trị ở mọi mức của xã hội, được truyền cảm hứng bởi các lý thuyết tâm lý học của Sigmund Freud. (ibid. s. 135) Surrealism đã tiếp xúc với thời trang một cách mà các phong trào nghệ thuật trước đó chưa từng làm. ‘Thời trang và các công cụ của nó đã nằm trong ngôi trường bài trừ tôn giáo, chạm vào hình ảnh của phụ nữ và sự tương quan giữa thế giới đối tượng thực và sự sống của đối tượng trong suy nghĩ ‘(Martin, 1990)
Hai nhà thiết kế thời trang đã bị ảnh hưởng rất lớn bởi nghệ thuật nghệ thuật hình ảnh là Elsa Schiaparelli và Coco Chanel. ‘Họ tìm thấy một cavas mới và thú vị để diễn tả ý tưởng của mình, bằng cách dịch nghĩa nghệ thuật siêu thực thành quần áo. Siêu thực là phong trào hàng đầu và gây tranh cãi nhất trong văn học và nghệ thuật giữa hai cuộc chiến tranh. (Mackrell, Art and Fashion, 2005, tr. 135)
Salvador Dali được biết đến là cha đẻ của Surrealism. Ông và Elsa Schiaparelli đã hợp tác để mở ra một lãnh thổ mới trong thời trang. ‘Dali và Schiaparelli cũng đã cùng nhau làm việc trên hai bộ váy được biết đến nhất của thập kỷ 1930, áo dạng Organza với tôm được vẽ là một trong số đó’ (ibid. tr. 144) Hình 4 & 5.
Văn học giám định của tôi cho thấy rằng có một tương quan giữa thời trang và nghệ thuật. Nó kết luận rằng các nghệ sĩ và họa sĩ đều bị ảnh hưởng bởi thế giới thời trang. Các nhà thiết kế thời trang cũng bị truyền cảm hứng từ các tác phẩm nghệ thuật và các bức tranh của họ.
Thực hiện nghiên cứu văn học đã chỉ rõ rằng có một mối liên hệ giữa nghệ thuật và thời trang. Nó khẳng định rằng nghệ thuật có thể tái tạo những trải nghiệm, diễn đạt cảm xúc hoặc phản ánh quan điểm của cá nhân hoặc đám đông ”(Bài viết về sự trỗi dậy của lương tâm xã hội trong thời trang có cảm hứng từ nghệ thuật).
Do đó, rõ ràng trong những khía cạnh này rằng Nghệ thuật và Thời trang cùng nhau chia sẻ nhiều mắt xích chung. Bài báo cũng nói rằng ‘Sự khát khao để diễn tả nhu cầu có một phúc lợi xã hội cao hơn đang thúc đẩy sự liên minh giữa nghệ thuật cách mạng và quần áo. (ibid)
Vì đã rõ rằng có mối liên hệ giữa Nghệ thuật và Thời trang, tôi muốn tìm hiểu trước hết về hai chủ đề này một cách riêng rẽ.
Nghệ thuật
Nghệ thuật đóng một vai trò quan trọng trong cuộc sống của con người. Nó giúp chúng ta sáng tạo và cho chúng ta một nền tảng để tỏ bày bản thân. Đó là một phần lớn trong cuộc sống của chúng ta mà đôi khi chúng ta dừng lại để công nhận vai trò của nó. Hãy nghĩ về ngôi nhà bạn sống trong các loại đồ trang sức bạn đeo, bìa của một cuốn tiểu thuyết, tất cả đều là một phần của nghệ thuật.
Có hai mối suy nghĩ chạy suốt qua suy nghĩ về nghệ thuật. Trong một, ban đầu được xem xét bởi Aristotle (384 trước Công nguyên). Nghệ thuật được coi là mimesis (bắt chước), việc đại diện cho sự xuất hiện và mang lại cho chúng ta niềm vui thông qua sự chính xác và kỹ năng trong việc miêu tả thế giới thực. Quan điểm khác phát sinh từ triết gia Hy Lạp Plato (427 trước Công nguyên), coi nghệ thuật là được truyền cảm hứng bởi Nữ thần, hoặc bởi Thiên Chúa hoặc xúc lực nội tâm, hoặc bởi từ tiềm thức tập thể), để diễn đạt cái gì đó vượt ra khỏi hiện thực, cảm xúc bên trong, sự thời sự vĩnh cửu hoặc bản chất vĩnh hằng của thời đại. (Định nghĩa về Nghệ thuật, Hutchinson Encyclopedia)
Hai triết gia Aristotle và Plato đã định nghĩa nghệ thuật là nghệ thuật Đại diện và Nghệ thuật Không đại diện. Nghệ thuật không đại diện thường được gọi là nghệ thuật trừu tượng. Nghệ thuật đại diện là một phong cách hội họa thực tế đại diện cho những đối tượng hoặc những hình dạng có thể nhận ra. Trong khi nghệ thuật trừu tượng không có hình ảnh rõ ràng và không tạo nên một nhận dạng rõ ràng, và phải được giải thích bởi người quan sát của tác phẩm nghệ thuật. Ví dụ về nghệ thuật đại diện bao gồm hoa quả, chân dung và phong cảnh để kể một số.
Nghệ thuật không đại diện xuất hiện vào đầu thế kỷ 20. Phong trào Trừu tượng được hình thành và các tác phẩm nghệ thuật của Piet Mondrian và Mark Rothko không có nghĩa vụ ý nghĩa mục đích nếu không được kiểm soát.
Tương tự như các chủ đề nghệ thuật, nghệ thuật cũng có các yếu tố cơ bản của nó . Chẳng hạn như đường, hình dạng, hình thức, không gian, bề mặt và màu sắc. ‘Các nghệ sĩ làm thay đổi các yếu tố này, trộn chúng với nguyên tắc thiết kế và tạo nên một tác phẩm nghệ thuật.’ (Mitler & Ragans, 1992). Các yếu tố của nghệ thuật vẫn làm cơ sở, mà nghệ sĩ có thể xây dựng trên. Một nghệ sĩ không thể tạo ra nghệ thuật mà không sử dụng ít nhất một hoặc nhiều yếu tố này. Nghệ thuật cũng phụ thuộc vào các nguyên tắc của nó. Các nguyên tắc này giúp quản lý cách nghệ sĩ tổ chức các yếu tố hình ảnh bằng cách đưa cho họ các nguyên tắc hướng dẫn. ‘Các nguyên tắc của nghệ thuật bao gồm cân bằng, sự đa dạng, sự hài hòa, cao trọng, tỷ lệ, chuyển động và nhịp điệu’. (Mitler & Ragans, 1992)
Có nhiều sản phẩm mà chúng tôi có thể phân loại là nghệ thuật. Nó hoàn toàn phụ thuộc vào cá nhân. Những gì tôi gọi là nghệ thuật có thể không rơi vào ngữ cảnh nghệ thuật đối với bạn. Nó là chủ quan, và có thể được giải thích theo nhiều cách khác nhau. Không có giới hạn xác định cho những gì có thể hoặc không thể gọi là nghệ thuật; cuối cùng, đó là quyền của khán giả. Nghệ thuật giao tiếp với mọi người qua các văn hóa khác nhau. Nó đa dạng từ điêu khắc đến hội họa đến tiểu thuyết Shakespear và sáng tác Classic của Mozart đến các trò chơi trên máy Playstation ngày nay và cuộc vận động “Anime” được cải tiến đồ họa và trò chơi. Tất cả đều là tác phẩm của những người thợ thủ công giỏi trong đúng nghĩa của nó. Nó sẽ được gọi đơn giản là “những người nghệ sĩ” và những gì họ tạo ra sẽ được phân loại như những tác phẩm nghệ thuật. Nhạc sĩ Frank Zappa tin rằng …
‘Bất kỳ thứ gì có thể trở thành âm nhạc nhưng nó không trở thành âm nhạc cho tới khi có người muốn nó là âm nhạc và khán giả nghe nó quyết định cảm nhận nó là âm nhạc.Hầu hết mọi người không thể giải quyết sự trừu tượng này hoặc không muốn’ (Định nghĩa của Nghệ thuật, 2005)
Tôi muốn đi sâu vào sự đề cập đến các sự kiện nghệ thuật và cách nó ảnh hưởng đến chúng ta và thời trang.
…